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14 de octubre de 2016

  • 14.10.16
¿Qué pensarías si al despertar por la mañana te encontraras en un cuerpo que no es el tuyo? Sería algo raro y realmente extraordinario. Eso es precisamente lo que les ocurre a los protagonistas de Kimi no Na wa o Her name, la última película de animación del director Makoto Shinkai, autor de El Jardín de las Palabras (2013). Esta obra está causando furor en Japón y no es para menos. La analizamos y destacamos sus puntos fuertes.



Taki despierta una mañana cualquiera y descubre con asombro que, a pesar de ser un chico, se encuentra en el cuerpo de una chica. Por su parte, a Mitsuha le cuentan que el día anterior estuvo haciendo cosas muy extrañas, que sus familiares y amigos catalogaron de “raras”, pero no recuerda nada. Solo tiene una nota en su cuaderno que pone: “¿Quién eres?”.

Así da comienzo la película fantástica de estos dos adolescentes y planta los pilares de un bella historia al más puro estilo de Makoto Shinkai. El director japonés, nacido en 1973, no es un novato en el mundo de la animación. Desde su primer cortometraje en 1999, Kanojo to kanojo no neko, ha llovido mucho.

Ahora mismo, gracias a esta última película, ha conseguido perfilarse como uno de los mejores directores de anime del momento. Kimi no Na wa ha sido la primera película en recaudar en un mes más de 10 billones de yenes sin haber sido producida por Studio Ghibli. ¿A qué se debe su colosal éxito?

Makoto Shinkai repite la fórmula del romance agridulce con el que experimentó en 5 centímetros por segundo y le añade el toque melancólico de El jardín de las palabras. En Kimi no Na wa vemos una interesante evolución que aúna lo mejor de sus éxitos anteriores y que, además, supera satisfactoriamente.

Tanto Taki como Mitsuha son personajes muy logrados, que a lo largo de la cinta se vuelven muy cercanos para el espectador. Y no es para menos, ya que vivimos con ellos su día a día. Una baza que juega Shinkai para que nos sintamos completamente identificados.

El “cambio de cuerpos” le sirve como apoyo humorístico. Al contrario que en sus otras historias que podríamos definirlas como "melancólicas", en esta consigue sacar alguna risa al espectador. Todo ello sin tener que recurrir a un humor zafio o pervertido.

Podemos definir Kimi no Na wa como una historia muy completa donde se dan cita, el humor, el romance, la fantasía e, incluso el suspense. Llega a tocar la fibra sensible del espectador sin ser un film lacrimógeno.

Además del trabajado guión, debemos destacar sus espectaculares dibujos y paisajes basados en lugares reales. Por ejemplo, vemos la casa del propio Shinkai situada en Nagano, prefectura de Gifu y otros rincones de Tokio conocidos.

Esta película también tiene gran significado para los japoneses, ya que recuerda al terremoto de 2011 donde se perdieron miles de vidas y fue uno de los más devastadores. Shinkai, en su film, además de hablar sobre sentimientos de unos adolescentes también nos hace reflexionar sobre la vida, y las amenazas exteriores que pueden cambiarlo todo.

Pero no todo en el film es perfecto. Podemos decir que al principio puede pecar de ser una historia contada con un ritmo pausado. Seguramente porque el autor busca la aclimatación de los personajes a su nueva forma de vida.

Para finalizar quisiera destacar la preciosa banda sonora con dulces melodías cantadas e instrumentales que añaden gran peso sentimental a la cinta. Kimi no Na wa es una gran película recomendada para todos los amantes del anime japonés y para los que aun no lo conocen. Esperemos que llegue a nuestros cines españoles porque será una delicia visualizarla en pantalla grande.

SARA B. PATRÓN

12 de diciembre de 2015

  • 12.12.15
Hace algunos días tuvo lugar el Mangafest de Sevilla, una cita obligada para los amantes de la cultura asiática y de los videojuegos. Este año, el evento se presentó con muchas novedades y con mejoras notables en cuanto a su organización, debido a los problemas ocurridos en su edición anterior por falta de espacio. De este modo, Mangafest y su organización se han asegurado este año de corregir sus errores para la gran satisfacción de sus asistentes.



Una de las principales novedades fue la gran superficie alquilada para el evento, superando los 18.000 metros cuadrados. Dos áreas del FIBES dedicadas exclusivamente a este evento. Esta edición se dividió en dos temáticas bien diferenciadas. En una de las grandes salas, encontrábamos el Mangafest, dedicado al mundo asiático con tiendas, escenario y actividades relacionadas. Zona también de juegos de mesa, exposiciones y restauración. Acudieron a la cita, también, algunos cosplayers para dar conferencias.

Y la otra área fue llamada Game4play, dedicada a los videojuegos, que pretendía ser un evento en sí misma. En esta zona de videojuegos se pudieron disfrutar de un buen número de juegos arcades, ordenador y probar las últimas novedades de Playstation. Podías participar también en los torneos. Y todo el que tuviera suficiente paciencia para superar grandes colas, pudo probar el “Oculus Rift”. También acudieron al evento algunos “Youtubers” que dieron una charla a sus seguidores.

Además de todo ello, podemos resaltar su buena organización desde que se anunció el evento. Tras abrir la compra online de entradas, en su página web aparecían unos gráficos y unos porcentajes. El interesado podía comprobar a tiempo real cuántas entradas había vendido hasta la fecha, para cada día.

Además de esto se proporcionó un folleto muy completo. En él se explicaba perfectamente cómo estaban divididas las zonas, haciendo especial hincapié en señalar entradas y salidas. A pesar de las colas, la llegada de los asistentes se hizo de manera ordenada y optimizando el espacio.

En Mangafest, debido a los problemas del año pasado, apostaron por añadir más seguridad. Desde su página web aseguraban que la zona iba a estar perfectamente vigilada por agentes de seguridad, tanto dentro como fuera del recinto, como en efecto así fue.

Pero como ocurre en este tipo de eventos, también hubo algunos inconvenientes. Uno de ellos, el precio alto de sus entradas, que costaban entre 7 y casi 9 euros un día, seguramente debido al alto precio que pide el FIBES por alquilar otro pabellón.

También hubo otros recortes significativos. No hubo concurso para la elección del cartel del evento. En este caso, el creador del cartel fue elegido a dedo. Tampoco hubo ningún tipo de regalo con la entrada, cosa que se venía haciendo en años anteriores. Otro defecto que podríamos añadir es que la zona de Game4play parecía estar algo desaprovechada. Faltaban tiendas especializadas en tema de videojuegos.

Un elemento vital que debe aplicarse en esta área es el orden. Añadir más personal para regir el tiempo de juego para cada consola. Así, todo el mundo podría jugar a lo que quisiera, sin pasar largas horas de espera. Pero, en general, el que pudo costearse la entrada disfrutó de un evento bien organizado y completo. A pesar de su precio, el Mangafest no decepcionó. Aumentó la seguridad, hubo mayor espacio y más actividades.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN
FOTOGRAFÍA: MANGAFEST

31 de mayo de 2015

  • 31.5.15
La muerte y lo que hay después de la vida siempre ha sido un tema de gran interés. Podemos remontarnos para comprobarlo al Antiguo Egipto con la ceremonia del embalsamamiento o a la Edad Media, con su temor al castigo y al infierno. Pero la realidad es que, a pesar de ser un tema interesante, también nos resulta tabú. Gracias a los avances en Medicina vemos la muerte como algo lejano y, cuando ocurre, nos deja completamente descolocados. Nos damos cuenta que, aunque creamos ser dueños de nuestras vidas, no es así. El anime de esta semana nos refleja esta realidad.



Como se comentó en un artículo anterior, Death Parade fue una de las joyas de la temporada de anime de invierno y no podemos dejar de resaltar su valor e interés por la temática que trata. Se trata de una serie escrita y dirigida por Yuzuru Tachikawa y producida por Madhouse. Fue emitida este pasado enero. El anime surge de una OVA (Original Video Animation) llamada Death Billiards.

La trama nos lleva a un misterioso bar situado en un limbo entre la vida y la muerte. Allí nos encontramos a un peculiar camarero llamado Decim y a una muchacha de pelo negro, sin nombre. Las personas que llegan al lugar no recuerdan nada de su pasado ni por qué están allí. El camarero les obliga a participar en un juego en el que apostarán sus vidas. Lo que no saben los participantes es que ya están muertos y el juego decidirá sus destinos: la reencarnación o el vacío.

Tras esta premisa, a lo largo de la serie averiguaremos el funcionamiento interno del extraño bar, se conocerá al enigmático camarero, y a su acompañante de pelo negro. Todo ello enmarcado en un aura de misterio y suspense, que deja al espectador sin aliento.

Death Parade es una obra madura y compleja, enfocada en la psicología. Una serie que nos hace reflexionar sobre temas como la moralidad, el bien y el mal o la muerte misma. Los personajes que van pasando por el bar son puestos en situaciones límite para intentar valorarlos como personas y decidir su destino.

A lo largo de la serie se cuestiona este método para juzgar, ya que en muchas ocasiones puede no ser justo. Las personas podemos reaccionar de diversas maneras. En ocasiones, y según las circunstancias, cuesta englobar nuestras acciones como “buenas” o “malas”. Eso es lo que la protagonista de pelo negro trata de explicar al camarero y juez, el cual parece no comprender del todo estos planteamientos.

En cuanto al desarrollo de la serie, cada capítulo es simple al principio con una estructura fija e independiente. Tienen como lugar de referencia el bar y al camarero Decim, pero las personas que juegan son distintas en cada episodio. Por otra parte, el hilo argumental principal es la historia de la muchacha de pelo negro y cómo se relaciona con Decim y los demás componente del bar.

Es una historia muy original con una trama trabajada en la que destacan, sobre todo, sus dos protagonistas: la chica sin nombre y Decim. Un anime en el que el espectador debe estar muy atento a los diálogos y a las reacciones de los personajes para poder comprenderlo bien en su totalidad.

Además de un dibujo realista en el que podemos ver personas de todas las edades y físicos, en esta historia también destaca su música. El opening titulado Flyers del grupo Bradio es bastante animado y cómico, con toques discotequeros, algo desconcertante debido al ambiente misterioso y tenso de la serie.

Al contrario que el opening, encontramos un ending más tranquilo, serio y lleno de simbolismos. Una balada rockera de gran calidad técnica del grupo Noisycell, titulada Last theater. En resumen, para los amantes de las series de misterio y que les guste reflexionar sobre temas trascendentales, Death Parade es una buena opción, gracias a su originalidad y a su gran ejecución.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

9 de mayo de 2015

  • 9.5.15
Cuando empieza a apretar el calor nos ponemos ropas más frescas y hacemos el cambio del armario para darle la bienvenida a la nueva estación. Ocurre lo mismo con la parrilla televisiva japonesa: se renueva. Hace unas semanas terminó la temporada de anime de invierno para dar paso a la de primavera. Nuevos estrenos de anime para todos los gustos. Pero es interesante analizar la tendencia en series que se vieron estos meses más frescos. Los animes más destacados y los que quedarán en el olvido.



En el mundo de la animación nipona está casi todo inventado y son pocas las ocasiones en las que aparecen series revolucionarias como Evangelion o Dragon Ball. Pero se pueden destacar pequeñas joyas como fueron Mirai Nikki (2011) o Attack on Titan (2013).

Esta pasada temporada no hubo grandes novedades, pero sí series bastante curiosas. Lo más interesante fueron las secuelas de animes con cierto reconocimiento. La segunda parte de Tokio Ghoul, un anime de vampiro, o Kuroko no Basuke, serie sobre baloncesto que va por su tercera temporada. Pero, sobre todo, llamó la atención, entre ellas, Durarara!!X2 Shou, segunda parte de Durarara estrenada en 2010.

La obra ofrece un compendio de historias relacionadas entre sí acaecidas en el centro de Tokio. En ellas aparecen un gran número de personajes de lo más carismático, que en su primera temporada llegaron a encandilar al público.

Otro anime que merece la pena su mención por su originalidad fue Junketsu no María. La trama nos remonta a Francia, durante la Guerra de los Cien Años. En ella encontramos a María, una bruja que busca la paz y sabotea todas las batallas del reino para conseguirla. A pesar de que la serie está envuelta en un halo fantasioso y de mitos, es muy interesante observar el conflicto religioso de la Europa de aquella época y cómo está retratado.

Assassination Classroom fue otra de las sorpresas de la temporada. Obra que aun se está emitiendo y que destaca por su mezcla tan dispar de géneros, entre ellos el humor y la ironía. Cuenta con una trama un tanto rocambolesca. Un extraterrestre con tentáculos amenaza con destruir la tierra en un mes y se presenta como profesor de una clase. El Ministerio de Defensa encomienda a sus alumnos que lo asesinen; si no, será el fin de la humanidad.

También pudimos disfrutar de series sin complicaciones y con un toque picante como Shinmai Maou no Keiyakusha. A pesar de que su contenido estaba plenamente dirigido a un público masculino con ganas de ver “carne”, su historia fue entretenida. Una obra sobre héroes y chicas demonios luchando entre ellos. Pero al contrario que en otras series del estilo, en el que el protagonista es un completo inútil, aquí el muchacho era un digno personaje.

Si hubiera que premiar un mejor anime de temporada, Death Parade sería una buena elección. Emitida a principios de febrero 2015, estaba basada en una breve película llamada Death Billiards. Una obra bastante atípica en la que se trata el tema de la vida y la muerte. Una trama psicológica que pretende cuestionar al espectador sobre el bien y el mal que los humanos llevan dentro.

No obstante, no todo fueron cosas buenas: también hubo obras olvidables. En ellas podríamos englobar series casi clónicas, emitidas al mismo tiempo. Si hay una cosa que vende mucho en Japón son las denominadas "novelas ligeras", obras cortas de contenido simple y fácil de leer. El problema llega cuando se dedican a adaptar y emitir los animes de varias al mismo tiempo, todas con una trama tremendamente parecida, llenas de clichés. Y precisamente eso es lo que ocurrió el pasado invierno.

Tres series en las que se podía adivinar su bajo presupuesto, englobadas en el género harem: magia y colegiales. Es decir, un protagonista con poderes especiales que llega a una escuela mágica en la que conoce a varias féminas que se acaban enamorando de él. Esta sinopsis es aplicable a Absolute Duo, Juuou Mujin no Fafnir y Seiken Tsukai no world Break. Y como detalle curioso, el actor de doblaje protagonista en dos de ellas era el mismo. Esto podría provocar cansancio y déjà vu en quien intentara ver todas estas series a la vez.

En resumen, podemos decir que la temporada de anime del invierno 2014-2015 no trajo consigo grandes series, pero han aparecido proyectos discretos e interesantes. Habrá que ver en qué terminan las series de esta primavera y si habrá algo más remarcable.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

22 de marzo de 2015

  • 22.3.15
La infancia es una de las etapas más importantes de nuestra vida. En ella aprendemos, jugamos y hacemos amistades. Tomamos conciencia de nosotros mismos y de lo que nos rodea. Se nos prepara para un duro cambio llamado "adolescencia". Por desgracia, la niñez también puede traer sinsabores. No es raro, aun en nuestros días, que los niños sufran el denominado bullying o acoso escolar. El manga de esta semana nos retrata esta temática.



El acoso escolar puede ocurrir en cualquier parte del mundo y Japón no es una excepción. Después de su colapso en la burbuja económica, se convirtió en un país con una sociedad estratificada y con grandes disparidades. Lo que prima es el triunfo del más apto. Esta mentalidad, traducida a edades tempranas, sería la Ley del más fuerte. Debido a ello, es muy común que en los colegios japoneses se produzca el denominado ijime o bullying. Por desgracia, están aumentando los suicidios de jóvenes en Japón por este motivo.

El manga de Yoshitoki Oima, Koe no Katachi o Una voz silenciosa refleja esta realidad que están viviendo muchos niños hoy en día. Esta obra surge como una historia corta de un capítulo en 2011 y gracias al éxito que obtuvo se acabó serializando en la revista Weekly Shōnen Magazine en 2013. Tuvo una gran acogida en Japón y ha obtenido muy buenas críticas, tanto del público como de profesionales.

La historia nos retrata la vida de Shoko, una joven sorda de nacimiento que debe lidiar desde pequeña con el acoso que recibía de sus compañeros de clase. Uno de ellos era Ishida, un muchacho buscapleitos que se divertía haciéndole la vida imposible a Shoko a causa de su discapacidad.

Por culpa de Ishida, la chica acaba cambiándose de colegio y él es marcado como el único culpable. Años después, Ishida se siente arrepentido de todo lo que hizo, hasta tal punto de querer suicidarse. Antes de eso decide buscar y pedir disculpas a su antigua compañera Shoko.

Estamos ante una historia compleja y conmovedora donde se trata el tema de la discapacidad y las relaciones personales. La propia autora tuvo asesoramiento por parte de una asociación para sordos en Japón para hacer más fidedignas las situaciones.

También encontramos la idea del suicidio y la baja autoestima producido por el bullying. Pero, a pesar de la dureza de la trama, es una obra esperanzadora, en la que se busca la redención y la corrección de los actos del pasado.

Los personajes son su punto fuerte. Sobre todo Ishida, al que al principio el lector acaba odiando por su actitud mezquina. Pero la evolución del protagonista a lo largo de la obra es digna de admirar. La propia Shoko es también una referencia. Pese a su discapacidad, sigue adelante con su vida y es capaz de perdonar con una sonrisa. En este manga destaca también la familia como apoyo y su importancia en el tema del acoso escolar.

Es muy interesante ver la labor de dibujo que hace la autora, teniendo que representar en viñetas el lenguaje de signos. Algo bastante complejo debido a la gran cantidad de movimientos que se deben realizar con las manos.

Koe no Katachi o La Voz Silenciosa ha finalizado en Japón con siete tomos y actualmente ha sido editado en España por Milky Way Ediciones. Además esta obra contará con una adaptación animada que se estrenará a lo largo de 2015. Es un manga muy recomendable que refleja una parte de la realidad que viven los jóvenes de nuestros días y que relata con mimo una historia de esperanza y superación que toca la fibra sensible del lector.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

22 de febrero de 2015

  • 22.2.15
Los japoneses son una sociedad que, a pesar de poseer una cultura rica y milenaria, disfrutan y aprenden de otras ajenas a la suya. Un ejemplo es la cultura occidental. Es cierto que los animes/manga en su mayoría reflejan los deseos y gustos de la sociedad japonesa, pero podemos encontrar “préstamos” bastante interesantes. A lo largo de los años, en varios animes/manga han aparecido muchas series influenciadas por las obras de escritores consagrados.



El primer ejemplo que podemos ofrecer es la serie Detective Conan, un manga escrito por Gosho Aoyama en el que se relata la historia de una joven detective de 17 años a la que convierten en un niño de 7. Toma por nombre Conan Edogawa.

Evidentemente, su nombre fue tomado del escritor escocés Sir Arthur Conan Doyle. Al igual que el personaje de Sherlock Holmes, Conan Edogawa también se dedica a resolver crímenes. El manga Aku no Hana o Flores del Mal recibe ese nombre por el libro de poemas del francés Charles Baudelaire.

Pero si hay un autor occidental recurrente en algunas obras de manga/anime japonés es, sin lugar a dudas, William Shakespeare. En Asia no tiene la misma importancia que en occidente, pero no deja de ser interesante ver las adaptaciones y recreaciones que hacen de sus obras en las series. Los japoneses para ello se toman muchas libertades, adaptan a su manera, pero podemos distinguir perfectamente el espíritu del dramaturgo inglés.

El caso más destacado, que busca ser una adaptación propiamente dicha de una obra de Shakespeare, es el anime Romeo x Julieta, estrenado en 2007. En él se busca mezclar la obra teatral con el más puro estilo anime. De ello sale una mezcla bastante curiosa, más enfocada al público juvenil japonés.

Para los más puristas de Shakespeare, una aberración. Para otros, un experimento bonito y muy original. Es cierto, la serie se toma muchas libertades. Añade todo tipo de elementos fantasiosos: Romeo cabalga sobre un caballo alado, Julieta es una heroína enmascarada, Verona es una isla flotante. Pero, a fin de cuentas, lo principal de la historia de Shakespeare es respetado.

Otra obra de anime relacionada con Romeo y Julieta de Shakespeare, podría ser el manga/anime Nisekoi de Naoshi Komi. La serie no es una adaptación, pero vemos nociones interesantes de la famosa obra. De manera juguetona, en clave de comedia romántica, nos relata la vida de Raku, el hijo de los Yakuza o mafia japonesa.

Todo comienza cuando su padre le pide que se case con la hija de una banda rival. La muchacha resulta ser Chitoge, una chica violenta y algo agresiva. Raku y ella se odian. Pero para mantener la paz entre sus familias deben fingir un falso noviazgo. Es una vuelta de tuerca y reinvención moderna. Como anécdota curiosa, los dos protagonistas en una parte de la historia deben representar en el colegio Romeo y Julieta.

Por último, podemos mencionar la serie Zetsuen no Tempest. Está escrita por Kyo Shirodaira y dibujada por Arihide Sano y Ren Saizaki. Tuvo un anime que se emitió en 2012. La historia narra las vivencias de dos adolescentes, Mahiro y Yoshino.

La hermana de Mahiro es asesinada y el muchacho desaparece para investigar su crimen. Por su parte, Yoshino, que mantenía una relación amorosa en secreto con la hermana de Mahiro, se siente apenado y acude todos los días a visitar su tumba.

En ese periodo de tiempo, Mahiro encuentra un amuleto que lo pone en contacto con una maga llamada Hakaze Kusaribe. Ella fue abandonada por su clan en una isla desierta de la que no puede escapar. La maga ayudará a Mahiro a descubrir y vengarse del criminal que asesinó a su hermana. A cambio, el muchacho y su amigo Yoshino deberán detener al clan Kusaribe que planea despertar “el árbol de éxodo”, lo que provocaría la destrucción de mundo.

Esta serie, a pesar de no adaptar específicamente a Shakespeare, es como una gran obra teatral en sí misma. Se le da gran énfasis a los diálogos recitados con gran dramatismo. Además de ello, aparecen constantes reflexiones en la que los protagonistas acaban recitando a Hamlet: “El tiempo está fuera de quicio”.

También la propia hermana de Mahiro, llamada Aika, mediante flashbacks recita a Shakespeare y habla de sus obras: “Aika… Para ti, la vida sólo fue actuación y final, todo de acuerdo al guión de alguien más. Es por eso que siempre citabas a Shakespeare...”.

Por otra parte, en este anime también podemos destacar sus similitudes con la obra La tempestad, pero con la diferencia de que en la serie se busca el final trágico. Aunque los personajes no lo quieran: “Lo que inicia en tragedia, no tiene que terminar en tragedia”.

Zetsuen no Tempest es una obra compleja que evoca mediante su banda sonora y sus diálogos un ambiente romántico y a la vez trágico. En ella, se entrelazan los personajes movidos por la venganza, la traición, el amor y el odio. Elementos constantes en las obras de Shakespeare. Debido a todo lo mencionado, podemos decir que esta serie hace un pequeño homenaje al famoso bardo.

En general, como hemos visto, no está reñido que en un anime/manga se mezclen elementos culturales de occidente, por extraño que pueda parecer. Resulta muy ilustrativo e interesante ver como los japoneses toman representaciones culturales nuestras y las mezclan con las suyas.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

8 de febrero de 2015

  • 8.2.15
La humanidad es sorprendente. Siempre ha sido capaz de hacer grandes hallazgos, de crear maravillosas obras de arte. Pero por el contrario, también puede cometer grandes barbaries y destruir todo lo bello. Tanto el bien como el mal están presentes en cada uno de nosotros. Y el manga de esta semana, Aku no Hana, de Shuzo Oshimi, refleja con gran maestría esa oscuridad.



Shuzo Oshimi nace en Gunma, Japón en 1981. Es el autor de Aku no Hana o como se traduce en español, Las flores del Mal. Sus obras tienen sello propio. Sus historias son muy atípicas, algo “raras”, pero a la vez es fresco y original. No duda en poner a sus personajes principales en situaciones incómodas. Las historias muy singulares, el trasfondo psicológico y su recreación de ambientes extraños son los rasgos que más destacan de sus mangas. Todo esto es lo que podemos encontrarnos al leer Aku no Hana.

Este manga nos cuenta la historia de Takao, un muchacho tímido al que le encanta leer, sobre todo, Las flores del Mal, de Charles Baudelaire. Está enamorado de su compañera de clase, Nanako, a la que idealiza. Un día, de camino a casa, se da cuenta de que se olvidó su libro en clase. Acude a recogerlo y se encuentra con que Nanako se ha dejado su uniforme de gimnasia. Con las prisas no duda en llevarse la ropa de su compañera también.

Al día siguiente, se extiende por el aula el rumor de que un pervertido anda suelto y ha robado el uniforme a Nanako. Takao se siente mal, muy avergonzado, y teme que lo descubran. Por desgracia, Sawa, una de las chicas más raras y antisociales de su clase, le vio cometiendo la fechoría y desde ese día lo extorsionará y le manejará a su antojo. Entre ellos se creará un vínculo dependiente y autodestructivo.

Para hablar de la obra que nos ocupa, primero debemos analizar de dónde procede su título y las implicaciones que ello conlleva. Las flores del Mal da nombre a una de las obras más importantes del poeta francés Charles Baudelaire (1821-1867). Traductor de las obras de Edgar Allan Poe y crítico de arte, tuvo una vida turbulenta, llena de vicios y excesos.

Su visión del mal y su noción pesimista de las cosas impregnan sus escritos. Las flores del Mal fue catalogada de inmoral en su época y censurada, obligándole a eliminar de la misma varios poemas. Este libro está dividido en siete partes, entre las que destacan las nombradas Flores del mal, Rebelión y La muerte.

La historia del protagonista gira en torno a las reflexiones sacadas de esta obra. A pesar de lo que pueda parecer por su premisa, no es un cómic sobre colegiales y triángulos amorosos. Estamos ante un manga de corte adulto y bastante complejo, no recomendado para menores. En el mismo parece que se busca sacar lo peor del ser humano. Está impregnado por el tono pesimista y sombrío de la obra de Baudelaire. Hay suspense, intriga, horror e, incluso, romance. Todo contado de manera magistral.

Takao, por culpa de su compañera Sawa, acaba metido en una espiral de maldad y corrosión. El protagonista solo puede aferrarse a las palabras de su libro, Las flores del mal, para intentar salir a flote y redimirse. Algo que no le será nada fácil y lo llevará a situaciones límite. Vemos un trasfondo psicológico complejo. Se cuestiona constantemente la moralidad y el propio valor que tiene la vida en la sociedad en la que viven los protagonistas.

Aku no Hana tiene una muy buena construcción de personajes, por lo que llegamos a sentirnos mal por ellos y, a veces, enfadados por sus actos. El lector observa las situaciones que se desarrollan en el manga angustiado e impotente, pero no puede dejar de leer. Se siente una atmósfera en ocasiones asfixiante y la intriga es palpable. Shuzo Oshimi consigue que no apartes la mirada, a pesar de las situaciones tan retorcidas que se desarrollan en la obra. Mantiene perfectamente la tensión, pero de vez en cuando da un breve respiro al lector.

Uno de los puntos débiles de este manga es su dibujo. Aunque los fondos están muy bien trabajados y son detallistas, el diseño de los personajes es bastante simple. No destaca demasiado. Y a veces resulta discordante con la trama adulta de la historia.

Aku no Hana fue adaptado al anime en 2013 contando con 13 episodios. Ello provocó gran polémica debido a su dibujo distinto del manga. Se utilizó la técnica de la rotoscopia. Este método surge de calcar los fotogramas reales de una película y luego colorearlos como si fueran un dibujo.

El resultado fue personajes con aspecto y movimientos más realistas. Ciertamente, no está muy bien hecha la rotoscopia que se usó para Aku no hana pero le daba mejor aspecto y era acorde con la historia que trataba. El autor trató de hacer algo distinto, cosa que a algunos les encantó y a otros les desagradó bastante.

El anime de Las flores del Mal está bien adaptado, aunque la historia lleva un ritmo bastante lento. Se queda corta en capítulos para narrar todo el primer arco del manga. En general, la serie animada no es mala si no te importa demasiado el diseño de personajes, a lo que uno se acaba acostumbrando.

Aku no hana en manga es una obra adulta muy recomendable para los amantes de los cómics de intriga, tensión e, incluso, para los seguidores de los thrillers psicológicos. Podemos encontrarla publicada completa en España por Norma Editorial. Animo a disfrutar de esta peculiar historia que no deja indiferente a nadie.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

25 de enero de 2015

  • 25.1.15
Frío. En esta época del año hace frío. Eso es innegable. Nos tapamos con todo lo que tenemos y encendemos las estufas. El peor momento del día es la ida al trabajo por las mañanas heladas. Y a la vuelta, tras una larga jornada, lo mejor es un baño caliente y relajante para combatir el frío. Eso es lo que pensaría un japonés medio. Las aguas termales y baños públicos son unos de los elementos más arraigados de la cultura japonesa.

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Los onsen, como se los llama en Japón, son termas de aguas calientes surgidas en las entrañas de la montaña. Estas aguas contienen multitud de minerales y elementos beneficiosos para el ser humano. Como sabemos, el país nipón es un archipiélago situado en zona volcánica, lo que lo hace el lugar idóneo para que surjan este tipo de manantiales.

La cultura del baño en estas aguas termales es una tradición milenaria de Japón y está enfocada, sobre todo, a la purificación del cuerpo, además de las razones higiénicas. Uno de los hobbies más comunes para el japonés medio es pasar el fin de semana en algún hotel de la montaña en el que haya onsen.

Eso ayuda a aliviar el estrés y a desconectar de la gran ciudad. En estos hoteles se pueden encontrar onsen al aire libre, los llamados rotenburo, que se sitúan fuera. Son ideales para meterse en invierno y sentir el frescor de la noche y la calidez del agua de alrededor de 40º.

Para poder acceder a ellas se tiene que seguir un procedimiento. Hay una sala con un vestuario donde dejar todas las prendas en una cesta. Luego los visitantes deben limpiarse a consciencia con los jabones y geles en otra sala que hay antes de ir a las termas. Al entrar, uno debe estar completamente desnudo, exceptuando una pequeña toalla, que no debe tocar el agua. No se permiten los trajes de baño.

Normalmente, los onsen están divididos entre hombres y mujeres, aunque también existen los mixtos. Se siente más cercanía e intimidad al estar desnudos, por lo que es un lugar donde hacer amistades y charlar. Debido a que son espacios bastante grandes, cada uno, también tiene su sitio para estar solo y relajarse.

No se permite la entrada de personas con tatuajes. Esto es debido a que antiguamente, a los yakuza o mafia japonesa se les diferenciaba por llevar su cuerpo tatuado. Actualmente, esta restricción se ha relajado debido a que muchos turistas los llevan.

Otra curiosidad es que al entrar en las aguas del onsen es común decir “Gokuraku, Gokuraku” que podría interpretarse como “estar en el paraíso”. Con estas palabras se le anima al compañero de termas a que pase una velada agradable.

Normalmente en estos hoteles a los visitantes se les proporciona cómodos yukatas de algodón, algo así como kimonos, fáciles de poner y quitar. También se pueden encontrar máquinas expendedoras, o sala de juegos para pasar el rato.

Obviamente, ir constantemente a estos hoteles puede diezmar el bolsillo, por lo que los japoneses también tienen opciones más baratas. La bañera de su propia casa es una de ellas.

Los cuartos de baño en Japón son bastante distintos a los de occidente. Tienen el váter separado del lugar de aseo. El otro cuarto lo componen la bañera u ofuro, que suele ser más honda que las occidentales, y una zona con alcachofa con un suelo que tiene un agujero para el drenaje.

Debido al afán que sienten los japoneses por los baños calientes, primero se “duchan” fuera de la bañera y luego, cuando están limpios, se meten dentro. Las temperaturas del baño suelen ser bastantes altas para el estándar occidental.

Es muy común en una familia japonesa usar el mismo agua de la bañera para todos sus miembros. Es por ello que se lavan muy bien antes de entrar y que la bañera consta de un sistema para recalentar el agua. Hay un orden de baño establecido: de mayor a menor y de hombres a mujeres.

A veces, por falta de espacio, no todos los japoneses tienen ofuros en sus casas, por lo que es muy común acudir a los baños públicos o sento. Estos son iguales que los onsen pero la diferencia está en que su agua es de grifo calentada. Siguen también las mismas normativas para poder acceder a ellos. La otra singularidad es que los elementos como el jabón o las toallas debe llevarlas el visitante.

Japón está lleno de baños públicos que aun se siguen utilizando con frecuencia. Su coste es bastante bajo. En Tokio, según una regulación realizada en 2013, la cuota para una persona adulta sería 450 yenes, 3,40 euros aproximadamente.

En conclusión, si alguien tiene la suerte de poder ir al país nipón, que no dude en visitar los onsen. Son lugares idóneos para integrarse y conocer de cerca esta cultura tan interesante. Dicho lo anterior, ¿a quién no le apetece ahora un baño calentito?

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

11 de enero de 2015

  • 11.1.15
Todos sabemos que hay grandes obras del cine de animación, una importante mayoría realizada “para todos los públicos”. No es raro que al aparecer una película de anime japonés se la encasille como “dibujitos” y, por lo tanto, se la considere una película infantil. Además de eso, si se le añade su procedencia nipona, puede ser minusvalorada en comparación con la que llega de tierras americanas. Por eso, llama la atención que el director Satoshi Kon superase los tópicos con su opera prima: Perfect Blue.

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Satoshi Kon nació en Hokkaido, Japón, en 1963 y falleció en 2010. Su primera obra fue la mencionada Perfect Blue (1997) con la que obtuvo un gran reconocimiento. Luego le siguieron otras películas como Millennium Actress (2001) o Paprika (2006). También es conocido por su obra de anime Paranoia Agent (2004)

El cineasta era conocido por realizar películas de animación con entramados psicológicos complejos, gran realismo tanto en personajes como entornos, y la mezcla confusa de la realidad y de los sueños. Todo ello es lo que podemos encontrar en Perfect Blue.

Para realizar esta película, Kon se basó en la obra homónima del escritor Yoshikazu Takeuchi. El director reconoció en una entrevista que nunca leyó la novela pero sí un guión realizado por el autor, que calificó de "aburrido". Debido a ello, pidió al autor de la obra hacer modificaciones. Este accedió con la condición de que se mantuvieran elementos como el fanatismo, el terror y el acoso. Con estas premisas se desarrolla Perfect Blue.

El film nos cuenta la historia de Mima, una cantante de un grupo llamado Cham que se retira con el sueño de convertirse en actriz. Es ahí donde comienza a tener problemas. Su carrera en el mundo de la actuación no va muy bien. Además de ello, una serie de asesinatos y sucesos extraños empieza a ocurrir a su alrededor.

En Perfect Blue vemos una película que bebe directamente de la novela negra. Una trama muy bien hilada, que juega con la mente del espectador, haciendo desconfiar en todo momento de lo que está viendo en pantalla. Además, como elemento original, encontramos que dentro de la propia película se rueda una serie, mezclando en muchas ocasiones los límites de la realidad con la ficción.

La película no es apta para todos los públicos. La conforman algunas escenas fuertes, sangrientas y de alto contenido sexual, que puede afectar la sensibilidad del espectador. En cuanto a sus dibujos, podemos decir que son bastante realistas, utilizando en todo momento para el diseño de personajes facciones propiamente orientales, con personas de todo tipo de físico y edad.

Otro elemento importante es la música. Tonos graves, melodías electrónicas, voces extrañas. Un tumulto de sonidos que se acentúan en las escenas de más tensión, creando una atmósfera turbadora tanto para el personaje como para el espectador.

Hay muchos datos curiosos en torno a esta película. Uno de ellos es que Perfect Blue es uno de los filmes de culto del director Darren Aronofsky, que incluso llegó a comprar los derechos para realizar un remake que no se llegó a hacer. En Requiem for a Dream (2000), el director rueda la escena de la bañera con Jennifer Connelly exactamente igual que la que aparecen en Perfect Blue.

Más tarde, Aronofsky realiza el Cisne Negro (2010). Algunos comentaron de manera errónea que podría ser un remake de la obra japonesa. La trama entre ambas es distinta, pero sí que es verdad que los personajes protagonistas se parecen. No sería extraño pensar que Nina del Cisne Negro estuviera inspirada en Mima. La presión, los episodios paranoicos y la piscología de las dos jóvenes son muy parecidas. También vemos aspectos visuales de la cinta que podrían recordar al film de animación japonés.

No se debe juzgar un libro por su tapa y Perfect Blue es un ejemplo de ello. Un gran film de animación, maduro, con fuerza, que no deja indiferente a nadie. Animo a los cinéfilos a que le echen un vistazo a esta obra. No se arrepentirán.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

28 de diciembre de 2014

  • 28.12.14
En la música, en la pintura o en otras modalidades artísticas podemos encontrar genios. En el caso del manga no es distinto. Por ello, es importante que nos detengamos y le demos un merecido reconocimiento a estos mangakas –término usado para referirse a los dibujantes de manga- y sus grandes obras. Esta semana nos centraremos en una de las dibujantes de manga más destacadas: Rumiko Takahashi.

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Rumiko Takahashi es una mangaka japonesa, nacida en Nigata en 1957. Fue la primera mujer en superar el millón de ejemplares de manga vendidos. Es una de las dibujantes más ricas y famosas en Japón, que sigue trabajando y cosechando triunfos, hasta la actualidad. Su prolífera carrera le ha dado éxitos como Urusei Yatsura, Ranma ½, Inuyasha o pequeñas joyas menos conocidas como Maison Ikkoku o la Saga de la sirena, entre otras.

¿Qué hace a esta autora tan especial? Su estilo único, difícil de imitar y su humor inteligente. Tiene un dibujo claro y limpio, con personalidad propia. Sus historias y tramas están muy cuidadas y llegan a tocar todos los géneros: desde comedias románticas, ciencia ficción, costumbrismo, hasta terror y gore, género en el que abunda la sangre y la violencia.

Al contrario del encasillamiento que hay actualmente, Takahashi no tiene un género definido: sus obras son una mezcla entre el Shojo –manga para chicas jóvenes- y el Shonen –manga para chicos-.

Otra característica interesante de sus mangas son sus personajes. Según ha comentado en varias entrevistas, la autora es de la opinión de que grandes personajes dan grandes historias. En sus mangas participan multitud de actores y tanto protagonistas como secundarios están bien trabajados, con personalidades únicas y definidas que enriquecen la obra.

Ahora hablaremos un poco sobre dos de sus mangas más conocidos: Urusei Yatsura y Ranma ½. El primero de ellos –que en España se conoció como Lamu/Lum- fue su primera obra de gran éxito y vio la luz entre 1978 y 1987. Recibió numerosos elogios por parte de la crítica y el público, tanto que sus personajes son todo un icono cultural en Japón.

Es un manga de corte humorístico, con toques de comedia romántica y ciencia ficción. En él se nos cuenta la historia de Ataru Moroboshi, un estudiante de instituto un tanto pervertido que, un día, se ve envuelto en un juego para salvar la tierra de una invasión extraterrestre.

Ahí es donde conoce a su contrincante en el juego, Lamu la extraterrestre, que se convertirá en su “amorosa” prometida y, a la vez, en su pesadilla durante toda la serie. Este manga fue pasado al anime y emitido en España con el nombre de Lum, la Chica invasora con 195 capítulos. También tiene en su haber seis películas y varias OVA (publicaciones audiovisuales de anime o capítulos especiales que se publican directamente en formato de vídeo).

Otra de sus obras por excelencia es Ranma ½ (1987-1996). Es un manga humorístico, que toca la comedia romántica y las artes marciales. La historia nos relata la vida de Ranma Saotome, un muchacho que sufre un maleficio muy particular desde que se cayó en un estanque maldito durante un entrenamiento de artes marciales.

Así, cuando el protagonista entra en contacto con agua fría se convierte en una muchacha pelirroja y cuando se moja con agua caliente vuelve a su estado normal de chico. Esta singular premisa aderezada con el despliegue tan original de personajes, creados por Takahashi, también la convierten en obra de culto. Ha tenido una adaptación al anime con 161 capitulos, 13 OVA, dos películas e, incluso, videojuegos. La serie animada fue emitida en España en 1993.

Con esto termina un pequeño homenaje a Rumiko Takahashi, mangaka de gran bagaje. Muchas cosas más se podrían destacar de esta magnífica dibujante y nada mejor que animar a quien esté interesando a indagar en sus obras y descubrirlas, ya que no se arrepentirán.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

14 de diciembre de 2014

  • 14.12.14
El espacio, los viajes intergalácticos y la ciencia ficción son elementos recurrentes en los animes y, en la actualidad, es una temática muy explotada. Como ejemplo echamos un vistazo a la cartelera de cine y encontramos la recién estrenada Interstellar. Esta semana hablaremos de un anime que contiene todos estos elementos y que se ha convertido en un hito de la animación: la aclamada Cowboy Bebop.

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A mediados de los noventa empieza a desarrollarse una nueva tendencia de anime en España. Tras el eco que dejó Dragon Ball empiezan a emitirse otros animes de temáticas completamente distintas. Las series japonesas en España comienzan a tener más empuje gracias al fenómeno de masas que fueron Evangelion y Cowboy Bebop, entre otras series.

Cowboy Bebop se emitió en España en televisiones autonómicas como la ya cerrada Canal 2 Andalucía y, unos años después, pudo disfrutarse en Cuatro. La serie de anime fue desarrollada en 1998 por el estudio Sunrise y dirigida por Shinichiro Watanabe. Al contrario de lo que suele ser habitual en el anime de hoy en día, es una creación original y no está basada en ninguna novela o manga.

Esta serie es de ciencia ficción, mezclada con western, drama y comedia. En un futuro lejano, 2071, la humanidad puede viajar por el espacio y se ha repartido en colonias por los diversos planetas debido a un desastre ocurrido en la Tierra.

La historia nos cuenta las andanzas de varios cazarrecompensas. Encontramos al simpático e impredecible Spike y al serio expolicía Jet, que viajan en la nave Bebop. A lo largo de la serie, se unirán al grupo Faye Valentine, la mujer fatal y la alegre hacker llamada Ed.

Uno de los puntos más interesantes de este anime son sus personajes, con personalidades muy bien construidas y originales. La serie cuenta en su mayoría con capítulos autoconclusivos que nos desvelan poco a poco el pasado de los protagonistas, mientras que se intercalan situaciones de lo más variopintas.

Tenemos una serie con un trasfondo pesimista que llega a tratar temas como la soledad, el existencialismo y cómo el pasado puede afectar a nuestro presente. Debido a ello, vemos cómo los protagonistas actúan en consecuencia y se dan situaciones bastante duras. Estamos ante un guión muy bien trabajado, con frases y dialogo profundos.

Otro elemento interesante de este anime es su mezcla tan original de géneros. El western haciendo alusión al oeste, englobado en un ambiente futurista de ciencia ficción. También tiene grandes contrastes. Por una parte, situaciones muy duras y serias; por otra, capítulos con un destacado contenido humorístico. Todo ello completado con grandes dosis de acción trepidante.

La animación, a pesar de tener sus años, no ha envejecido nada mal. Es fluida y se nota perfectamente la realización de los dibujos a mano. Los paisajes, naves y la ambientación están muy bien hechos. Los personajes tienen un aspecto tirando a realista y sus movimientos están bien ejecutados.

Para completar las cualidades de la serie podemos decir que tiene una magnífica banda sonora compuesta por Yoko Kanno, autora que puso música a La Visión de Escaflowne, entre otros animes de renombre.

En Cowboy Bebop podemos escuchar en su mayor parte piezas de Jazz con algún toque de blues o pop de gran calidad. Su opening, llamado Tank!, es uno de los más vistosos y conocidos en el mundo del anime.

Debido al gran éxito obtenido se realizaron a partir de la serie una adaptación a manga, varios videojuegos y una película. Y es que Cowboy Bebop es una de las joyas de la animación japonesa que marcó un hito en su momento. Animo a los nostálgicos a que vuelvan a verla y a las nuevas generaciones aficionadas a esta cultura que le den una oportunidad. Merece la pena.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

30 de noviembre de 2014

  • 30.11.14
La semana pasada tuvo lugar el Mangafest de Sevilla. Mucho se ha hablado sobre el evento y desafortunadamente no ha sido para bien. Rumores y bulos se esparcieron por la red. ¿Qué ocurrió exactamente? ¿Hubo algún tipo de negligencia? Es difícil saber con seguridad todo lo ocurrido hasta que la Policía realice la investigación pertinente. Por lo pronto, me gustaría expresar mi visión sobre los hechos y reflexionar sobre el asunto, tras hablar con algunos implicados y analizar mis propias vivencias.

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Los días 21, 22 y 23 de noviembre se celebraba el III Mangafest de la capital hispalense en el Palacio de Congreso de Sevilla (FIBES). Tras un viernes tranquilo, en el que ya se notó más afluencia de lo usual, llegó el sábado.

Grandes colas, que daban la vuelta al recito, se formaban desde por la mañana temprano según los asistentes. Gente con entradas compradas de manera anticipada y otros que estaban comprándolas en taquilla esperaban para poder acceder al lugar.

En este punto fue donde comenzó el problema. Los encargados en taquilla, viendo la gran multitud que esperaba fuera, quisieron ser precavidos. Dejaron de vender entradas antes de que se sobrepasara el aforo.

Según un comunicado expuesto por el propio Mangafest en Facebook: “El equipo de Mangafest decidió cerrar la venta de entradas en taquilla tras comprobar que el aforo disponible en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla (FIBES) estaba completo”.

No sabemos hasta qué punto es cierto que se vendieran más entradas de la cuenta. De hecho, la Policía lo descartó en un comunicado. Tras el cierre de taquilla, según cuentan los voluntarios del Mangafest, la gente comenzó a aglutinarse en las entradas y salidas del recinto.

Como es comprensible, los asistentes estaban enfadados por llevar esperando tanto tiempo y quedarse sin sus entradas. Al parecer, un grupo de incívicos comenzó con los empujones, gritos y abucheos, que recayeron sobre los voluntarios. Ello dio lugar a agobios y a bullas que taponaron las entradas del recinto.

Los voluntarios, viéndose superados por la situación, decidieron dar parte a la organización, que avisó a la Policía. Hubo gran confusión entre unos que querían entrar y otros salir, a base de empujones.

La Policía no tuvo más remedio que cortar el paso y restringir la entrada para que el asunto no llegara a mayores. Por desgracia, esto provocó que mucha gente se quedara en la calle aunque tuviera su entrada. Los que salieron antes del incidente no pudieran volver al recinto aunque tuvieran sus cosas dentro de él.

En este punto me gustaría recalcar la mala gestión a la hora de dejar delante de una masa enfurecida unas manos inexpertas, como fueron estos voluntarios. Era normal que no supieran cómo manejar la situación.

¿Qué podemos sacar en claro de todo esto? En el III Mangafest hubo una serie de fallos tanto por parte de la organización, como por los propios asistentes, que desencadenaron la situación que se vivió.

En primer lugar, se puede destacar la poca previsión por parte de los organizadores. Desde luego, en los años anteriores no hubo tantos asistentes, pero es un evento que ha ido ganando fama debido a su buen hacer. Además, se celebra en Sevilla, capital de Andalucía, una de las comunidades autónomas más conocidas por su turismo. Ciudad que tiene buenos enlaces de trenes, autobuses y aviones.

En segundo lugar, podemos mencionar la mala organización de este año que dejó a los voluntarios a su suerte mientras estaban siendo increpados por una multitud enfadada, según varias fuentes. La única medida que se tomó en el momento por parte de la organización fue un breve comunicado vía Twitter que decía: “Por motivos de seguridad, cerramos el aforo temporalmente. Avisaremos cuando vuelvan a estar disponibles las entradas”.

En tercer lugar, en su página vemos otro fallo importante. Hay varios tipos de entradas y una que sirve para cualquier día, indistintamente. Eso es un error. Al no estar especificado el día, es muy complicado calcular cuándo asistirá la persona y por lo tanto, cuánto se llenará ese día el recinto. Deberían haberse restringido las entradas vía internet y haber hecho un mejor control de ellas.

Para evitar este tipo de situaciones, sería interesante que, para años venideros, se plantearan ampliar la zona del Mangafest en Fibes. Estos tres años apenas se utilizó una cuarta parte de todo el edificio. Aunque viendo los recortes en el Mangafest de esta edición, a pesar de su precio de entrada elevado, no lo creo probable.

Por otro lado, igual que los organizadores del Mangafest cometieron sus errores, no es de recibo lo que se vivió en el sitio por culpa de un grupo de personas incívicas. Debido a ellas, muchos asistentes se vieron afectados y no pudieron entrar aunque tuvieran sus entradas en la mano.

Recordemos que si se limita la entrada o se toma la medida de no vender más en taquilla, es por el bien de los visitantes. Y guste o no, se deben acatar las normas y nunca llegar a la violencia ni al insulto.

A la vez que se critican los errores organizativos, también me gustaría destacar la reacción rápida del Mangafest ante la crisis. Cortar rápidamente el riego de entradas viendo un posible problema fue un acierto.

Por otra parte, el hecho de realizar los comunicados, las disculpas y devoluciones de entradas sin demora, también estuvo acertado. Destacaré también que a la gente que no pudo entrar el sábado se le dio la oportunidad de acudir el domingo con su entrada del día anterior.

Por otra parte, hay personas que el viaje desde muy lejos apenas les compensó por los grandes gastos de traslado y alojamiento. Por ello, podemos decir que, a pesar del esfuerzo, se podía haber hecho más y mejor.

El III Mangafest podría haber sido un gran evento, pero se ha visto afectado por toda esta serie de fallos y problemas. Hasta que la Policía no haga la investigación, no conoceremos las cifras exactas ni los datos correctos. Pero, de momento, esperemos que toda esta situación haya servido de lección para años venideros.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

2 de noviembre de 2014

  • 2.11.14
Es posible que, en alguna ocasión, más de un aficionado a la cultura japonesa se haya preguntado cómo pasan el tiempo nuestros amigos nipones. Desde la perspectiva occidental, los vemos como personas muy trabajadoras y responsables. Tanto jóvenes como adultos pueden pasar muchísimas horas en sus institutos y sus trabajos. Pero, como cualquiera, también necesitan su momento lúdico y de descanso. ¿Cómo se entretienen en su tiempo libre?

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En España, las actividades más comunes son ir al cine, al teatro O salir con nuestros amigos a tomar una copa a un pub. Entre nuestros jóvenes existe el famoso “botellón”. Otros se decantan por los deportes como el fútbol, la natación e, incluso, la escalada. También se incluyen en nuestros pasatiempos leer, ver la televisión o jugar a videojuegos, entre otras actividades.

En Japón las cosas son un poco diferentes y han ido variando a los largo de los años. El interés por las actividades de ocio surge a partir de los años cincuenta, gracias a la recuperación económica tras la Segunda Guerra Mundial. Se crearon todo tipo de instalaciones, como parques de atracciones o balnearios.

A partir de los sesenta, empiezan a generalizarse los automóviles. Se mejoran las infraestructuras de las carreteras y se expanden por todo el país. Ello lleva a que se empezaran a realizar más viajes familiares y excursiones.

Con la llegada de los años setenta se buscan actividades más baratas y de ubicación fácil. Se incluyen las prácticas de algún deporte, idas a salones recreativos o actividades en centros culturales. Tras el estallido de la burbuja económica en los noventa, se empiezan a realizar actividades culturales y de aprendizaje. Por ejemplo, cursos de todo tipo.

Y finalmente, a partir del 2000, los japoneses buscan aficiones más acordes a su persona. Desde la práctica de deportes, idas al cine, jugar a videojuegos, ver anime, leer manga y el ocio estrella: los karaokes.

En España, al contrario que en Japón, ir a karaokes es una actividad poco popular. Alguno de los motivos puede ser la falta de intimidad de estos sitios. No a todo el mundo le gusta cantar delante de desconocidos.

Otro motivo son las esperas. Por lo general, vemos mucha gente en el sitio y pocos micrófonos. La consecuencia es que se acude mucho menos a los karaokes. Se echa mano de la consola de turno, con su juego correspondiente de canto.

En Japón la cosa es muy distinta. El karaoke se cree que fue creado por Daisuke Inoue en los años ochenta. Es un sitio muy popular entre los jóvenes, pero también son el principal lugar de reunión familiar, de amigos e, incluso, de compañeros de trabajo.

Es un lugar en el que se paga por horas. El recepcionista atiende al cliente y le asigna una sala en función del número de personas. Se accede a una habitación privada e insonorizada con sofás y mesas.

En ella encontramos un gran libreto de canciones entre las que se puede elegir. Insertando un código numérico en el karaoke se reproducirá la canción en la pantalla. Además de eso, en la sala pueden pedirse aperitivos y bebidas llamando al teléfono de recepción. En estos sitios los precios de diario no suelen ser muy caros, entre 10 y 15 euros. Además, a veces se ofertan barra libre de bebidas.

Otra actividad de tiempo libre muy popular en Japón es la visita a fuentes termales u Onsen. Es muy común que el japonés medio, que vive en la ciudad, busque un lugar apartado y al aire libre para reposar. Son bien conocidas las propiedades minerales de las aguas de la montaña. Muchas zonas termales se conciben como lugar vacacional y de descanso.

Como hemos comprobado a lo largo de este artículo, la cultura del ocio en Japón está muy extendida y no es muy distinta a la nuestra. A pesar del prototipo de japonés serio y trabajador, también disfrutan de sus ratos libres realizando todo tipo de actividades.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

19 de octubre de 2014

  • 19.10.14
Cuando hablamos de animación japonesa, el primer nombre que nos viene a la cabeza es Hayao Miyazaki. No es para menos, ya que ha realizado multitud de películas de gran valor y calidad junto con Studio Ghibli. Pero hoy quiero hacer referencia a otro maestro, un buen candidato a sucesor de Miyazaki, como es Mamoru Hosoda, con su maravillosa obra Wolf Children.

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Mamoru Hosoda, nacido en 1967 en la prefectura de Toyama en Japón, es director y animador. Comenzó su andadura en el estudio Toei Animation realizando películas del mítico Dragon Ball o el conocido Digimon. Pero no fue hasta 2005 cuando entra a formar parte del staff de la compañía Madhouse, de la que es su director.

En este último estudio tuvo la oportunidad de realizar su primera película, la más personal, con la que se hizo conocido: La chica que saltaba a través del tiempo (2006). Esta obra fue galardona con varios premios, destacando el de Mejor Película de Animación en el Festival de Sitges y Mejor Película otorgado por la Academia de Cine Japonesa.

Después de esta obra le siguieron Summer War (2009), también con muy buena acogida por parte del público y la crítica, así como Wolf Children (2012), una obra de corte intimista, con toques de drama y algo de fantasía.

La historia nos relata la vida de Hana, una alegre joven que se enamora en la universidad de un misterioso chico. Tras consumar su amor, él le confiesa ser un hombre lobo. Fruto de la unión de estos jóvenes nacen dos niños: Yuki y Ame. Heredan la condición de su padre. Hana tendrá que hacerse cargo de estos dos pequeños tan singulares con todos los problemas que eso conlleva.

Como todas las obras de Hosoda, vemos el mimo y cuidado con la que se ha realizado. Es una historia de tempo pausado, aproximadamente dos horas, pero se disfruta de ella sin que aburra, gracias a su buen guión.

Una característica interesante de esta película es su búsqueda de la naturalidad y el realismo a pesar de tener un trasfondo fantástico. Tanto es así que incluso te llegas a creer a los personajes y las situaciones tan peculiares que viven, sin asomo de duda. Todo gracias a la buena ejecución del guión. Es una película que da que pensar y toca temas como la familia, la búsqueda de la identidad o la naturaleza.

En cuanto a su apartado técnico, podemos calificarlo de soberbio. Paisajes extremadamente detallados que mezclan fotografía 3D y dibujo. También observamos un diseño de personajes que busca ser realista. En apariencia, algo simple pero, a lo largo del film podemos observar los cambios sutiles en el aspecto de ellos debido al tiempo.

Destaca también una buena construcción de personajes. La alegre Hana se complementa perfectamente con su inquieta hija Yuki y el miedoso Ame. Cabe decir que los protagonistas, como en la vida real, van evolucionando a lo largo de la película hasta encontrar su camino.

Otro aspecto importante en el film es su hermosa banda sonora. Melodías dulces y agradables con toques de música clásica acompañan a los personajes a lo largo de sus aventuras.

En conclusión podemos decir que Mamoru Hosoda con Wolf Children nos regala una película tierna y agradable con la que pasaremos muy buenos momentos. No sabemos si será el sucesor de Miyazaki pero lo que sí es cierto es que sus filmes tienen encanto. ¿Os animáis a conocer a estos “niños lobos”?

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

5 de octubre de 2014

  • 5.10.14
Todos sabemos que uno de los elementos más importantes que conforman el anime, además de su dibujo, es el doblaje. En España, a pesar de la buena calidad de los dobladores, no siempre consiguen contentar al público. Pero hace unas semanas, surgía una iniciativa muy interesante que podría subsanar en parte este problema.

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El público aficionado al manga y el anime suele ser bastante exigente a la hora de ver una serie. Y más aun si se trata de una doblada en su idioma. Acostumbrados a los magistrales doblajes realizados por los japoneses, buscan que su equivalente en español comparta esa misma calidad. Pero debido a las preferencias y gustos de cada cual, no siempre se consigue. No es por falta de profesionalidad en el sector.

El doblaje, junto con el precio, podrían ser un impedimento a la hora de comprar una serie. Es cierto que en los DVD existe la opción de visionarlo en original, pero es una pérdida de dinero al no querer aprovechar el producto en su totalidad con doblaje incluido. Recordemos que los aficionados pueden descargarse las series subtituladas en perfecta calidad, incluso antes de licenciarse en España, y sin gastar un céntimo.

Debido a este tipo de problemas, que repercuten en el mercado, la joven distribuidora española Yowu Entertainment, encargada de licenciar series como Bailando con Vampiros o NaNa, creó una iniciativa muy interesante. Con vistas a traer a España la serie anime Btooom!, creada por el mangaka Jun´ya Inoue, se buscó la opinión del público en cuanto al doblaje.

La serie cuenta la historia de Ryota, un muchacho de 22 años sin trabajo que vive con su madre. Está enganchado a la red y es aficionado a un juego online llamado Btooom!, en el que es uno de los mejores jugadores del mundo.

Un día despierta en una isla tropical, desorientado. Sin saber dónde se encuentra o por qué lo llevaron allí, vaga por el sitio hasta que encuentra a otra persona que le lanza una bomba. Ryota se da cuenta de que su vida peligra porque parece haberse colado en un juego de supervivencia llamado Btooom!.

Para esta serie se pidió a los aficionados que votaran para poder elegir las voces de los dos protagonistas principales. Podían escoger entre tres opciones para cada uno. Esta libre elección ayuda a la participación más activa del público y que haya más conformidad. No ha salido el anime en DVD, pero es posible que con eso aumenten sus ventas. Los aficionados querrán escuchar el doblaje que han elegido, además de ver su serie preferida.

Los problemas que puede plantear esta iniciativa, si se realizara constantemente, es que podría resultar cansino para el espectador y la propia distribuidora. Son un buen número de series las que se licencian al año. El proceso de esperar elecciones podría alargar la llegada al mercado del DVD de la serie. Ello puede provocar la impaciencia por parte del público. Pero, en general, son interesantes las ventajas que se obtienen con esta iniciativa.

Selecta visión, otra de las grandes distribuidoras españolas de series animes, encargadas de traernos Evangelion o El ataque a los Titanes, anunció hace poco la licencia de la serie Sword Art Online, un anime basado en una novela ligera escrita por Reki Kawahara que surgió en 2012, de la que hemos hablado en otra ocasión.

Sería interesante que esta empresa se planteara lo mismo que Yowu Entertaiment. Ese anime tuvo gran éxito en su momento con un doblaje elegido por los aficionados. Puede que incluso ayude a duplicar sus ventas y tener a la afición más contenta con el producto. Al fin y al cabo, la venta de DVD de animes en España depende de sus seguidores. A mayor cercanía en los gustos del público en sus opiniones, mejores resultados monetarios.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

21 de septiembre de 2014

  • 21.9.14
Las vacaciones han llegado a su fin. Todo tiempo de reposo y reflexión ha terminado. Con fuerzas renovadas, los jóvenes se enfrentan a un nuevo curso. Deberán superar todo tipo de pruebas para llevar a buen puerto sus amistades, amores y deberes de clase. Si no, que se lo digan al protagonista del manga de esta semana. Para entrar en materia os presento un cómic de corte estudiantil. Una obra poco conocida, pero con gran encanto, que lleva por título Good Ending.

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Esta historia está realizada por la joven mangaka Kei Sasuga. Nacida en 1981, en Japón. Su nombre real es Sasaki Keiko, y se dio a conocer con su obra Good Ending publicada en Weekly Shonen Magazine desde 2009 a 2013.

Este manga surge a raíz de un relato autoconclusivo publicado por la autora. Esta breve historia tuvo tal éxito entre el público que la mangaka continuó el cómic, que se extendió hasta los 16 volúmenes más un especial. Actualmente está finalizado.

¿Qué es Good Ending? En un manga shonen de corte romántico, drama estudiantil, humor y pequeñas dosis deportivas. Se ha hablado mucho del género en el que está englobado el cómic. Debido a su gran sentimentalismo y el tipo de dibujo que ostenta, podría parecer un manga para chicas, un shojo. Pero no es así, ya que la obra no llega a ser tan “pastelosa” y el protagonista es masculino, cosa poco habitual en los de este género.

Good Ending nos cuenta la historia de Seiji Utsumi, un joven tímido y algo cobarde que está enamorado de la capitana del equipo de tenis, llamada Shou Iketani. Su compañera de clase, Yuki Kurokawa, una joven misteriosa de cabellos y ojos negros, que está en el club de tenis, ayudará al pobre Seiji a conquistarla. Yuki irá aconsejando al protagonista sobre los secretos y entresijos del amor para conseguir a Shou y no “fallecer” en el intento.

El título Good Ending traducido como “Final bueno” es una referencia directa a los videojuegos de citas en el que el protagonista interactúa con varias jóvenes para conseguir su amor. Según las decisiones que tome puede llegar a un “final bueno”, acabar con la chica deseada o acabar solo, “final malo”.

En este caso, vemos que indirectamente el protagonista Seiji está jugando al amor sin darse cuenta. También es asesorado por Yuki, una especie de guía en su recorrido. A la larga se demuestra que el amor, por desgracia, no es tan fácil como en los videojuegos.

En cuanto al argumento de la historia, podemos decir que es uno de los mejores romances que he podido leer hasta la fecha. Comienza de manera tópica, pero a medida que se desarrollan los clichés que pudiera haber en ella, van desapareciendo. Esto es un gran punto a su favor.

La trama romántica avanza hacía un drama más complejo y maduro de lo que aparentaba en un principio. Contiene escenas subidas de tono en algunas partes, pero en ningún momento se muestra nada, algo que es de agradecer.

Otro elemento interesante de este cómic son sus protagonistas. No son personajes planos y la mayor parte de ellos se desarrollan y cambian. Por ejemplo, vemos una gran evolución en Seiji Utsumi. Debido a todo lo que le ocurre su carácter se moldea y pasa de un adolescente inseguro a un adulto consciente y responsable.

Pero no es una obra perfecta. También podemos encontrar ciertos fallos argumentales. Personajes que parecen que van a plantear conflicto no lo hacen. Desaparecen de buenas a primeras. También ciertas reacciones, algo extrañas, por parte de los protagonistas, que no cuadran al espectador.

En cuanto al aspecto gráfico, vemos un dibujo muy característico. Ojos grandes y caras anchas. En las chicas vemos gran dulzura en la mirada y grandes pestañas. El acabado del pelo tanto en chicos como chicas está muy trabajado. Otro punto importante es la vestimenta de ambos sexos, moderna y con estilo. Podemos destacar de manera especial los fondos artísticos y vistosos que acompañan a las escenas.

Por desgracia, esta obra no tiene anime y tampoco esta publicada en España. Pero puede leerse y descargarse entera por Internet. Así que si busca una historia romántica, fresca, bien trabajada, con cierta madurez en su argumento, Good Ending es la mejor opción.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

29 de junio de 2014

  • 29.6.14
Todos sabemos que la cultura japonesa es bastante diferente a la occidental. Uno de los elementos más curiosos y característicos es su ropa. Al igual que en España tenemos nuestros trajes tradicionales, como por ejemplo el de flamenca, allí destaca el kimono.

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"Kimono" es una palabra japonesa que podemos desglosar en “mono” que significa “cosa” y “ki” o “kiru”, que significa “llevar”. Pero el nombre original de esta prenda fue gofuku, debido a la gran influencia de la cultura china Han tradicional. Podemos decir que este tipo de vestimenta nace durante el periodo Heian a finales del siglo VIII.

Aunque el kimono es la ropa tradicional japonesa, no es de uso diario. Actualmente los japoneses se visten con ropa occidental y dejan esta vestimenta para ocasiones especiales como bodas, ceremonias o festivales.

Vestir un kimono es un arte. Es complejo de poner ya que esta prenda no es solo lo que apreciamos desde fuera. Se compone de otras piezas de ropa interior y complementos que le dan un aspecto delicado y sutil. No es raro que los amantes de esta prenda den clases para aprender a ponérselo correctamente, saber cómo combinar colores o sus circunstancias de uso.

El kimono suele vestirse cubriendo el cuerpo de manera envolvente, sujeto por una especie de faja llamada obi. Tiene una serie de complementos que lo acompañan como son la geta, unas sandalias de madera o los zori, sandalias bajas de cuero, y los llamados tabi, calcetines tradicionales que separan el dedo gordo de los demás.

Existen una gran variedad de kimonos, sobre todo para las mujeres. En estas prendas varía el material, el corte, las mangas, los colores y los estampados. Todo depende del sexo, la edad, el estado marital o el tipo de ceremonia a la que vaya a asistir la persona que lo use. A ojos expertos, según el kimono que se utilice y la manera de llevarlo se pueden descubrir muchos datos de la persona.

Podemos clasificar los kimonos femeninos y masculinos desde los más formales y suntuosos hasta los de uso informal. Con respectos a los femeninos, destaca el Uchikake. Forma parte del traje nupcial. Suele tener mangas largas y estar ricamente adornado. Está realizado con la mejor seda. Se usa encima del denominando Shiromuku como una capa y sin el obi o faja. El Shiromuku es parecido al anterior, pero totalmente blanco. Se usa como traje de novia.

Podemos destacar también el llamado Furisode. Es un kimono formal usado por las mujeres jóvenes y solteras. Consta de largas mangas que se decía que servían para atrapar a los hombres. Destacan su gran colorido y sus exuberantes estampados. Esta prenda se usa para ceremonias importantes como una graduación.

Por otra parte destaca el Mofuku. Es un kimono formal que se utiliza para expresar tristeza. Esta prenda es totalmente negra y puede ser usada por todas las mujeres, independientemente de su estado civil.

Para resumir, debido a la gran variedad, pasamos de los kimonos más formales al más común: el Yukata. Está realizado en algodón y puede ser de dos tipos: más adornado para llevarlo en festivales o fiestas típicas de verano y otro más simple y sencillo, para estar por casa y dormir. Este kimono es el que más suele aparecer en los animes.

En cuanto a la moda masculina se refiere, los kimonos son más sencillos aunque tienen diversos estilos y características. Una diferencia importante radica en las mangas, que están casi unidas al cuerpo, solo separadas por unos centímetros en la parte inferior. El kimono suele estar subdividido en dos partes. Lo conforman colores oscuros como negros, azules, color café o verdes.

En resumen, estas ropas tradicionales tienen gran valor cultural y conforman un idioma en sí mismo, gracias a la multitud de detalles y elementos que las forman. Por otra parte, se están poniendo muy de moda en occidente debido a su belleza y en otros casos, a la gran comodidad. Un kimono Yukata podría ser la prenda ideal para pasar un verano caluroso.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

15 de junio de 2014

  • 15.6.14
En plena efervescencia del Mundial de Fútbol, nuestra vena deportiva sale a relucir. Todos los españoles nos unimos y vestimos la camiseta de nuestra selección. Queremos ver en los partidos jugadas magistrales, grandes goles y paradas imposibles. Es decir, la “magia” del fútbol. Debido a ello, es posible que los de mi generación recuerden con cariño aquella mítica serie en la que los magos del balón no eran ni Xavi Hernández ni Iker Casillas, sino Oliver y Benji.

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Si hay algo por lo que destaca la mentalidad japonesa es por su afán de superación y su perseverancia. El sobresalir y ser el mejor en lo que uno hace es uno de sus objetivos fundamentales.

Esta forma de pensar la vemos plasmada en todas sus series. Sobre todo, en las deportivas. Las hay de todas clases. Como, por ejemplo, de baloncesto (Slam Dun), balón prisionero (Bola de Dan) de béisbol (Touch o Bateadores) y fútbol (Campeones).

Campeones: Oliver y Benji o Captain Tsubasa –nombre original de la serie– es un manga de corte shonen publicado en 1981 por Yoichi Takahashi. Poco después de su lanzamiento, fue pasado a anime desde 1983 a 1986.

Posteriormente, se realizaron dos secuelas más: Captain Tsubasa J / Supercampeones J (1994 -1995) y Captain Tsubasa Road to 2002 / Los Supercampeones (2001 -2002), más varias películas y Ovas. Esta serie tuvo un gran filón y fue apoyada por la Asociación de Fútbol de Japón, que buscaba crear aficionados a este deporte.

La trama nos cuenta la historia de Tsubasa Ozora, Oliver Atom en español, un muchacho con gran talento para el fútbol. Nos narra sus andanzas en este deporte desde su niñez en la liga juvenil de su colegio hasta llegar a ser profesional en la selección japonesa.

La historia se centra en el deporte, la amistad, los esfuerzos y sacrificios que debe hacer el protagonista para lograr su sueño de ser un jugador profesional. En su recorrido hacia la fama conoce a su amigo portero Genzo Wakabayashi, conocido en español como Benji Price, y a su némesis Kojiro Hyuga, Mark Lenders.

Uno de los factores que hizo famosa esta serie en su momento fue la visión tan novedosa y algo fantasiosa del mundo del fútbol. Seguramente, la mayoría recordarán esas jugadas acrobáticas imposibles. Había espectaculares chutes de balón tan potentes que podían romper redes y resquebrajar paredes o campos larguísimos que se extendía hasta donde alcanzaba la vista.

En esta serie, el jugador no era una persona normal. Era casi un superhéroe capaz de realizar grandes hazañas. Ello convertía al fútbol en algo más que un deporte y enseñaba valores importantes como la deportividad y la amistad.

Por otra parte, lejos de ser una serie perfecta contaba con bastantes fallos, en este caso en el dibujo. A pesar de la elasticidad y fluidez de movimientos en los personajes, se podían encontrar defectos de anatomía e imperfecciones, que en secuelas posteriores se fueron corrigiendo dando un producto más aceptable. Por otra parte, también se podían apreciar demasiadas secuencias repetidas y reutilizadas.

La calidad gráfica no era la mejor, pero era lo suficientemente buena para transmitir lo que debía. A pesar de todo, una serie muy entretenida que sin mayor trasfondo o complicación hacía las delicias de los forofos del fútbol.

Otro punto en contra de la serie en España fue su mal doblaje y la traducción de nombres pasados del japonés original por un filtro anglosajón extraño. Esta elección puede entenderse debido a que la serie iba enfocada a un público infantil y los nombres anglosajones eran más fáciles de recordar. El problema es que uno, con los años, puede sentirse algo decepcionado al comprobar que sus personajes favoritos nunca se llamaron así.

Actualmente, el manga sigue publicándose en Japón y la historia continua con las andanzas de Oliver Atom, que como dato anecdótico acaba jugando de profesional en el F.C. Barcelona, llamado en la serie F.C. Cataluña.

La historia sigue tan vigente en la actualidad que incluso en Hong Kong, en honor al Mundial de Fútbol, han construido figuras de cinco metros de los protagonistas principales para adornar un centro comercial. Ahora que llega la fiebre deportiva, quizás a más de uno le apetezca echarle una ojeada a este mítico anime. Una visión obligada para todo forofo del fútbol que se precie.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN

18 de mayo de 2014

  • 18.5.14
Hace unas semanas se estrenaba en España una de las películas más destacadas del cine de animación japonés. Llegaba a la cartelera El viento se levanta, la última gran obra del director Hayao Miyazaki. Studio Ghibli productor de cintas como La Princesa Mononoke (1997) o El Viaje de Chihiro (2001) nos presenta la última película dirigida y escrita por el genio Hayao Miyazaki (1941), quien anunciaba el pasado septiembre su retirada.

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El viento se levanta o Kaze Tachinu está basado en una novela corta escrita por Tatsuo Hori y su adaptación al manga realizada por el propio Miyazaki. La historia es una biografía de Jiro Horikoshi, el hombre que diseñó el avión de combate Zero, utilizado en la Segunda Guerra Mundial en el ataque a Pearl Harbor. Un muchacho amante de los aviones que decide ser ingeniero aeronáutico y cumplir su sueño de realizar una hermosa máquina voladora.

La historia que nos relata Miyazaki es madura, realista y compleja. Está dirigida a un público adulto. Vemos en ella un fiel retrato del Japón de los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Elementos como el escaso desarrollo tecnológico del país en comparación con occidente, la depresión y las penurias de la guerra, o el devastador terremoto de Kanto de 1923 enmarcan la vida del protagonista Jiro.

Pero a pesar del realismo que se puede encontrar en la película, Miyazaki la dota de escenas oníricas que se entremezclan con la realidad, dejando al espectador embelesado. Una temática que podría resultar compleja, como es la construcción de aviones debido a sus tecnicismos, el director hace que se cuente de manera entretenida y amena, dándole un toque mágico.

Otro punto importante que podemos destacar de esta gran obra son sus personajes. Normalmente, en sus películas, el peso principal de la trama suele llevarlo la mujer que con la ayuda del personaje masculino, cumple sus objetivos. Un ejemplo podría sería Nausicaä del Valle del Viento (1984). Aunque también hay alguna que otra excepción como es el caso de Porco Rosso (1992), aunque el protagonista no tiene aspecto humano.

Por lo tanto, al contrario de lo que nos tiene acostumbrados, Miyazaki nos sorprende y decide darle el papel principal a un personaje masculino y de mediana edad. En este film, la mujer sigue siendo importante, pero pasa a un segundo plano. Se vuelve el apoyo sentimental del protagonista pero sin perder la fuerza que impregna el director a sus personajes femeninos.

Vemos en esta película relaciones maduras, encuentros y separaciones. Situaciones muy duras y complejas sacadas de la vida misma, pero todo ello sin perder su toque dulce y romántico.

A un nivel más técnico, otro aspecto fundamental del film es su dibujo. Todo realizado a mano. Vemos un despliegue majestuoso de colores, paisajes salidos de cuadros. Además sorprende la gran elasticidad de movimientos de los personajes.

Realizar un trabajo de este calibre a mano es muy trabajoso y duro, pero los resultados son excepcionales. Es una lástima que las películas de animación hayan dejado de usar las técnicas tradicionales para pasarse al ordenador: véase la aclamada Frozen.

Otro elemento importante es su música. Joe Hisaishi (1950), compositor y director de orquesta japonés, autor de bandas sonoras como El Viaje de Chihiro y La Princesa Mononoke, vuelve a poner su toque a la película de Miyazaki. Piezas intimistas y dulces pero de gran fuerza rodean al film.

Esta película, a pesar de su indudable calidad, no ha estado exenta de polémica. Debido a los ideales de Miyazaki, como son el pacifismo y el ecologismo, se le criticó la realización de esta obra por su trasfondo bélico.

A favor del director podemos decir que en ningún momento ensalza la guerra. Por el contrario, se muestran las penurias de ella a modo de denuncia. Cabe destacar que la trama principal de la obra no es esta, sino la vida el protagonista, que solo busca cumplir su sueño como constructor de aviones. Pero, a pesar de todo, ha recibido un buen número de nominaciones, entre ellas, el Oscar a mejor película de animación de 2013 o el Globo de Oro a mejor película extranjera 2013.

En conclusión, podemos decir que el gran Hayao Miyazaki se retira del cine de animación por la puerta grande, dándonos a sus seguidores su última obra grande: El viento se levanta. El aficionado al cine que tenga la oportunidad de verla, a pesar de su poca distribución en salas, saldrá encantado.

SARA B. PATRÓN / REDACCIÓN



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